Ongoing

Dialogue #06

Penumbra

Luís Paulo Costa + Tatiana Macedo

Curated by Nicolas de Oliveira and Nicola Oxley

Until 9 November 

The exhibition Penumbra, presented by Dialogue Gallery at the premises of the storied Graça Brandão Gallery, brings together the work of Luís Paulo Costa and Tatiana Macedo; his practice is primarily associated with painting, with an approach that underlines the medium's conceptual roots, while her work comprises film, photography and sound informed by a conflation of a critical, anthropological methodology. Both practices share, in their own distinct way, a haptic compulsion: works that result from the author's touch, which applies, tends, indicates, and erases by turns.

Architecture is not a neutral space since it 'both constructs and instructs us'[1] and the site of an exhibition always has a powerful hold over its exhibits and how we view them. The title of the exhibition refers to the effect of darkness, to an atmosphere created by the scarcity of light, and to the transition from light to darkness. It is penumbra that sets the physical conditions of the show, while also serving as a metaphor to support its interpretation.

The contemporary gallery, spawned by the white cube model, underscores the triumph of visibility in which every displayed artifact is evident to the spectator's gaze. The curators of the exhibition opted instead to reduce illumination to the needs of the works themselves. The chiaroscuro effect from Baroque painting, where only the key gestures and actions are brightly lit while relegating the space beyond to gradual obscurity, provides a leitmotif to the exhibition. The philosopher Gernot Böhme invokes the term atmosphere to describe the complex construction of an event. Atmosphere, he proposes, is what lies between the spectator and the object and stages a tangible feeling.

Hence, an atmosphere, is not an intangible notion, but a careful calibration of spatial properties and objects. Japanese writer Junichiro Tanizaki tells us of the special qualities of traditional Japanese dwellings that are not so much constructed of wood or masonry but shaped by shadows. Darkness in a gallery, is associated with the requirements of projection technologies in film and video in which the spaces are illuminated only by the works themselves. Similarly, Macedo's moving image work, presented as projections and on monitors, provides its own illumination, while her photographs and Costa's paintings and objects are picked out singly or in groups by low-level lighting; the precarious illumination calls to mind Marcel Duchamp's International Surrealism Exhibition (1938) in which visitors had to orient themselves by torchlight, a method reprised in Bas Jan Ader's seminal work In Search of the Miraculous (One Night in Los Angeles) (1973), in which the artist navigates the nocturnal city by the light of a fading torch, always searching for the extraordinary in the mundane.

The emphasis on discovery is patent in the display and in the choice of Costa's and Macedo's works. Some of these have been seen previously, while others are being premiered here, but what is certain is that they have never been presented in the current configuration. Writer W.G.Sebald maintains that ‘to look again is not the same as to see for the first time, but infinitely richer.'[2]

The term exhibition means literally ‘to hold forth’, but also ‘to demonstrate’ and ‘to stage’. But unlike on the fixed theatrical stage, in which the idea of a projected elsewhere is generally referred to, here viewers are invited to interpret the curatorial script by moving amongst the works themselves, whose material presences serve as ‘reality anchors’ to the experience.

The exhibition reflects how in a digitalised world, all things rub alongside one another despite their differences, as we move towards a kind of pre-modern, sensorial imagining in which we believe in the almost magical, animistic consciousness of inanimate things. Here, Costa and Macedo might act in the manner of conjurers whose studied gestures bring into being a world underpinned by illusion. Costa's painterly action that precisely replicates photographs inkjet-printed onto canvas surfaces presents a paradox of simultaneity: the act of painting both reveals and obscures the image with each gesture. But the perfect illusion of the replication is not the most notable outcome; it is the artist's presentation of painting as a conceptual discipline cloaked in the old magic of representation.

Gestures abound in Macedo's celebrated films such as Seems so long ago, Nancy, in which the involuntary gestures of invigilators at a museum mark the metronomic duration of their waiting, or the fingers that tap nervously or scuttle across the table in expectation of a lover that never materialises in We have run out of Names for the Storms. In addition, the gestures of the artist's own hands that manoeuvre objects on screen, or which manipulate the functions and angles of the cameras themselves can be said to be ritual ministrations in a sensory, haptic universe.

The reliability on images as witnesses of a tangible reality is fraught with contradictions in a digital age, which has rendered the simulacrum ubiquitous. Images employ an augmented realism - a hyperrealism - precisely to promote its inverse, a sentiment. This sensory quality pervades the works of both artists in the exhibition, and the twist lies in the open presentation of the real: Costa's use of painting as a supplement to printed images delineating everyday scenes captured by photography, and Macedo's photographs of prosaic scenes and gestures. Both artists show a familiarity with the duplicitous, slippery nature of images, unfaithful to the service of true depiction. It is perhaps the elusive nature of these images - a light source, fragments of pearls, dappled sunlight, a shred of cloth in the wind, the nape of a neck, the backs of bus seats, a hand pointing from a moving car, a twirled conductor's baton - that recall the importance of experience in the half-light, the penumbra of our lives; their arrested gestural qualities - extensions of human bodies - remind us of what it feels like to be touched.

If the visual glare of the digital presents an overwhelming surfeit of information, then a little shadow - by way of contradiction - goes a long way to reinstate a more balanced grasp of things. The metaphysical thinker Nicholas Cusanus argued for a 'coincidence of opposites', a state of balance or dialogue between knowledge and ignorance.

Hence, the exhibition operates as a choreography of objects whose juxtaposition initiates a dialogue between two seemingly very distinct practices. This notion of a dialogue percolates through much of contemporary discourse. This seems antithetical at a time when discord largely dominates the news agenda typified by binary positions and views. And yet, in the creative industries the desire to collaborate, to exchange views, and to learn from the experience of others seems to thrive. Artists, in particular, have been instrumental in extending this practice of discussion by aligning and juxtaposing their ideas and works with those of others. In a similar vein, galleries, curators and writers have progressively invoked the importance of collaborative activity with artists.

Sonia Taborda argues that Dialogue Gallery serves 'to provide interdisciplinary dialogues within and outside the artistic community, expanding the knowledge of contemporary art.'[3] In a virtual age, the gallery privileges the real affinity of 'face-to-face' encounters with art. These receptive attitudes chime with the curators' long-standing practices of exhibition-making and writing about art; the experience of collaborating closely with individual artists in their spaces and publications over the years came out of commissioning new works of Installation art, a practice that requires a sensitivity to a site that the work inhabits, an understanding of the presence of spectators, and most of all, an ability to sustain an extended, complex and often intimate dialogue with artists.

Nicolas de Oliveira and Nicola Oxley

[1] Marysia Lewandowska, Sightworks, Vol. One: Several Enquiries, Introduction, Chance Books, London, 1988, p.2.

[2] W.G. Sebald, The Rings of Saturn, Vintage, London, 1998, p.18-19.

[3] Sónia Taborda, Mission Statement, from Correspondence.

The exhibition will be accompanied by a book written by de Nicolas de Oliveira and Nicola Oxley and published by Dialogue Gallery, Lisbon, in collaboration with Mulberry Tree Press, London, which will be launched on the 9th of November during Lisbon Art Weekend.

PT

A exposição Penumbra, apresentada pela Dialogue Gallery nas instalações da histórica Galeria Graça Brandão, reúne o trabalho de Luís Paulo Costa e Tatiana Macedo; a prática dele está associada principalmente à pintura, com uma abordagem que sublinha as raízes conceptuais do meio, enquanto o trabalho dela inclui filme, fotografia e som, informados pela confluência de uma metodologia crítica e antropológica. Ambas as práticas partilham, à sua maneira distinta, uma compulsão háptica: obras que resultam do toque do autor, que aplica, tende, indica e apaga por turnos.

A arquitetura não é um espaço neutro, pois "constrói-nos e ensina-nos", e o local de uma exposição sempre tem um grande poder sobre os seus expositores e sobre como os visualizamos. O título da exposição refere-se ao efeito da escuridão, a uma atmosfera criada pela escassez de luz e à transição da luz para a escuridão. É a penumbra que define as condições físicas da mostra, ao mesmo tempo que serve de metáfora para apoiar a sua interpretação.

A galeria contemporânea, nascida do modelo da caixa branca, sublinha o triunfo da visibilidade, em que cada artefacto exposto é evidente ao olhar do espectador. Os curadores da exposição optaram, em vez disso, por reduzir a iluminação às necessidades das próprias obras. O efeito de chiaroscuro da pintura barroca, onde apenas os gestos e ações principais são iluminados enquanto o espaço envolvente é relegado para uma obscuridade gradual, oferece um leitmotiv para a exposição. O filósofo Gernot Böhme invoca o termo atmosfera para descrever a construção complexa de um evento. A atmosfera, propõe ele, é o que se situa entre o espectador e o objeto e cria um sentimento tangível.

Assim, uma atmosfera não é uma noção intangível, mas sim uma calibração cuidadosa de propriedades espaciais e objetos. O escritor japonês Junichiro Tanizaki fala-nos das qualidades especiais das habitações tradicionais japonesas, que não são tanto construídas em madeira ou alvenaria, mas moldadas por sombras. A escuridão numa galeria está associada às exigências das tecnologias de projeção em filmes e vídeos, onde os espaços são iluminados apenas pelas próprias obras. De forma semelhante, o trabalho de imagem em movimento de Macedo, apresentado como projeções e em monitores, fornece a sua própria iluminação, enquanto as suas fotografias e as pinturas e objetos de Costa são destacados individualmente ou em grupo por uma iluminação de baixo nível; a iluminação precária remete-nos para a exposição de surrealismo internacional de Marcel Duchamp (1938), onde os visitantes tinham de se orientar com uma lanterna, método reprisado na obra seminal de Bas Jan Ader In Search of the Miraculous (One Night in Los Angeles) (1973), onde o artista navega pela cidade noturna com a luz de uma lanterna enfraquecida, sempre à procura do extraordinário no mundano.

A ênfase na descoberta é evidente na exibição e na escolha das obras de Costa e Macedo. Algumas destas já foram vistas anteriormente, enquanto outras são estreias aqui, mas o que é certo é que nunca foram apresentadas na configuração atual. O escritor W.G.Sebald afirma que "olhar novamente não é o mesmo que ver pela primeira vez, mas infinitamente mais rico".

O termo exposição significa literalmente "sustentar" ou "demonstrar" e "encenar". Mas, ao contrário do palco teatral fixo, no qual geralmente se faz referência a uma projeção de outro lugar, aqui os espectadores são convidados a interpretar o guião curatorial ao moverem-se entre as obras, cujas presenças materiais servem como "âncoras de realidade" para a experiência.

A exposição reflete como, num mundo digitalizado, todas as coisas se roçam umas às outras apesar das suas diferenças, à medida que nos movemos em direção a uma espécie de imaginação sensorial pré-moderna em que acreditamos numa consciência quase mágica e animista das coisas inanimadas. Aqui, Costa e Macedo podem actuar como conjuradores cujos gestos estudados trazem à existência um mundo sustentado pela ilusão. A acção pictórica de Costa que replica com precisão fotografias impressas a jacto de tinta em superfícies de tela, apresenta um paradoxo de simultaneidade: o acto de pintar tanto revela quanto obscurece a imagem a cada gesto. Mas a ilusão perfeita da replicação não é o resultado mais notável; é a apresentação da pintura pelo artista como uma disciplina conceptual envolta na antiga magia da representação.

Gestos abundam nos filmes celebrados de Macedo, como em Seems so long ago, Nancy, onde os gestos involuntários dos vigilantes de um museu marcam a duração metronômica da sua espera, ou os dedos que batem nervosamente ou se arrastam pela mesa à espera de um amante que nunca se materializa em We have run out of Names for the Storms. Além disso, os gestos das próprias mãos da artista que manobram objetos na tela, ou que manipulam as funções e ângulos das próprias câmaras, podem ser considerados ministrações rituais num universo sensorial e háptico.

A confiança nas imagens como testemunhas de uma realidade tangível é repleta de contradições numa era digital, que tornou o simulacro ubíquo. As imagens empregam um realismo aumentado - um hiper-realismo - precisamente para promover o seu inverso, um sentimento. Essa qualidade sensorial permeia as obras de ambos os artistas na exposição, e o twist reside na apresentação aberta do real: o uso da pintura por Costa como suplemento de imagens impressas, delineando cenas quotidianas capturadas pela fotografia, e as fotografias de Macedo, de cenas e gestos prosaicos. Ambos os artistas mostram uma familiaridade com a natureza dúplice e escorregadia das imagens, infiéis ao serviço da verdadeira representação. É talvez a natureza elusiva dessas imagens - uma fonte de luz, fragmentos de pérolas, luz solar dappled, um pedaço de tecido ao vento, a nuca de um pescoço, os encostos dos assentos de um autocarro, uma mão a apontar de um carro em movimento, uma batuta de maestro que gira - que recorda a importância da experiência na meia-luz, na penumbra das nossas vidas; as suas qualidades gestuais detidas - extensões dos corpos humanos - lembram-nos como é ser tocado.

Se o brilho visual do digital apresenta um excesso avassalador de informação, então um pouco de sombra - por meio de contradição - vai muito longe para restabelecer uma compreensão mais equilibrada das coisas. O pensador metafísico Nicholas Cusanus argumentava a favor de uma "coincidência dos opostos", um estado de equilíbrio ou diálogo entre conhecimento e ignorância.

Assim, a exposição opera como uma coreografia de objetos cuja justaposição inicia um diálogo entre duas práticas aparentemente muito distintas. Esta noção de diálogo permeia grande parte do discurso contemporâneo. Isso parece antitético num momento em que a discórdia domina em grande parte a agenda noticiosa, tipificada por posições e visões binárias. E, no entanto, nas indústrias criativas, o desejo de colaborar, de trocar pontos de vista e de aprender com a experiência dos outros parece prosperar. Os artistas, em particular, têm sido instrumentais na extensão desta prática de discussão, alinhando e justapondo as suas ideias e obras com as dos outros. De forma semelhante, galerias, curadores e escritores têm progressivamente invocado a importância da actividade colaborativa com artistas.

Sonia Taborda argumenta que a Dialogue Gallery serve "para proporcionar diálogos interdisciplinares dentro e fora da comunidade artística, expandindo o conhecimento da arte contemporânea". Numa era virtual, a galeria privilegia a afinidade real de encontros "cara a cara" com a arte. Estas atitudes receptivas ressoam com as práticas de longa data dos curadores de fazer exposições e escrever sobre arte; a experiência de colaborar de perto com artistas individuais nos seus espaços e publicações ao longo dos anos resultou de comissionar novas obras de arte de instalação, uma prática que requer sensibilidade para o espaço que a obra habita, uma compreensão da presença dos espectadores e, sobretudo, uma capacidade de sustentar um diálogo longo, complexo e muitas vezes íntimo com os artistas.

Nicolas de Oliveira e Nicola Oxley

A exposição será acompanhada por um livro escrito por Nicolas de Oliveira e Nicola Oxley e publicado pela Dialogue Gallery, Lisboa, em colaboração com a Mulberry Tree Press, Londres, que será lançado no dia 9 de novembro durante o Lisbon Art Weekend.